Основные ошибки начинающих художников

Вам интересно, почему у многих начинающих художников развитие творческого потенциала останавливается, прежде чем они даже начнут его развивать? Почему многие окончившие художественную школу не могут достичь того уровня, который представляли себе много лет назад? 

Часто это связано с тем, что художники-новички допускают ряд ошибок, которые препятствуют достижению ими успеха. Эти ошибки часто возникают у тех, кто предпочитает работать в “искусственных” техниках. 

Какие это техники, и какие 10 наиболее распространенных ошибок совершают начинающие художники? Вам стоит изучить данную публикацию, чтобы получить ответы на эти вопросы и ускорить свой творческий прогресс в живописи и рисунке, сэкономив 10-летия на пути к своему мастерству! 

И не забудьте дочитать текст до конца, чтобы подсчитать, сколько ошибок вы допускаете, и оставить свой результат в комментариях.

ОШИБКА 1: Начинать с белого листа

Первая ошибка, с которой часто сталкиваются начинающие художники – начинать работу с белого листа или холста. Белая поверхность может вызывать подсознательный страх у новичков, связанный с желанием сделать все идеально или страхом испортить изображение.

Современные художественные методики предлагают использовать подмалевок, чтобы избавиться от этого страха. Однако этот способ может оказаться провальным, так как подмалевок является лишь первоначальным наброском, который в какой-то момент начинает работать против своего создателя. В процессе дорисовки и улучшения подмалевка, художник может прийти к неаккуратности и грязи на полотне.

Чтобы избежать этих проблем, рекомендуется начинать работу с подготовки холста, включая проклейку, грунтовку, нанесение слоев имприматуры и масляной лессировки. Таким образом, можно избавиться от белой поверхности, которая является препятствием для многих художников на пути к творчеству.

Кстати, именно так выполняются работы по технологии “Оптических Просветов”. И в конце видео вы узнаете, где подробно рассматриваются все этапы работы по ней. Это поможет начинающим художникам понять, как работать от начала до конца и достичь желаемого результата. 

Чтобы понять, как справиться со страхом белого листа предлагаем посмотреть наш ролик:

ОШИБКА 2: Искусственное добавление бликов

Вторая ошибка, которую часто допускают начинающие художники – искусственное создание объема за счет добавления бликов. Это связано с желанием придать картине живость и избежать ассоциаций с плоским “детским” рисунком. В художественных школах часто учат, что блики могут добавить реалистичность и объем произведению, но это далеко не всегда верно. Иногда создание объема с помощью бликов может сделать картину искусственной, выглядящей плоской или как надувные шары.

В нашей технологии образование объема зависит от этапов работы. Для этого мы используем наждачную бумагу, которой вычищаем подготовленную поверхность. Мы прорабатываем более интенсивно те участки, которые должны быть светлыми, слегка прорабатываем или не трогаем места, где должна быть тень. Таким образом, мы создаем светотеневую карту изображения и формируем первоначальный объем произведения. Затем мы усиливаем объем с помощью специальных оптических смесей. Объем создается за счет технологии ведения работы, а не с помощью искусственного добавления бликов.

ОШИБКА 3: Штриховка

Третья ошибка, которую часто совершают художники – использование штриховки для создания светотени. Этот метод является классическим, изучается в художественных школах, и многие художники не представляют, как создать рисунок без него. 

Однако, штриховка не является естественным способом передачи объема для нашего глаза, который привык видеть пятнами, и для самой природы, где нет ни линий, ни мазков. Четкие линии вызывают в мозгу сомнения по поводу реалистичности предметов, а поэтому рисунки со штриховкой подсознательно воспринимаются как неестественные и отталкивающие.

Вместо этого лучше использовать уникальную технологию Оптических Просветов для создания живого и реалистичного рисунка, выполненного пятнами – согласно природе и нашему глазу. Это позволяет нам создавать произведения искусства без использования штриховки, которые приятны для взора и имеют естественный объем.

Узнать гораздо больше о штриховке и методе “от пятна” можно в этом видео:

ОШИБКА 4: Подбор цвета на палитре

Одной из распространенных ошибок начинающих художников является подбор цвета на палитре. Часто они используют множество красок, чтобы добиться нужного цветового эффекта. Но в итоге нередко работа обретает тусклый вид, на полотне может появиться месиво из цветной или серой грязи, которая совершенно не соответствует идеи художника.

Дело в том, чтобы научиться смешивать на палитре бесконечное множество красок, необходимы годы опыта или исключительный талант. Одна ошибка может испортить всю работу, что делает этот классический метод рисования очень трудным для начинающих художников.

Но существует природная технология рисования, которая помогает избежать этой ошибки – методика “Оптических Просветов”. Работая по ней, художники могут видеть, как на их глазах начинают образовываться сложнейшие и тончайшие цветовые эффекты уже на начальном этапе, когда даже еще не вводится цвет. В итоге это позволяет создать произведение, которое завладевает взором и сердцем зрителя. Таким образом, методика “Оптических Просветов” помогает избежать ошибок при подборе цвета на палитре и позволяет образовывать произведения искусства, которые вызывают восхищение. 

ОШИБКА 5: Слепое следование технологии

Пятая ошибка, которую часто допускают художники – это следование неправильной технологии, что мешает им достичь желаемого результата в своей работе. Таким образом у него возникает страх испортить изображение во время его завершения или в стремлении сделать его еще качественнее. 

Однако, страх этот можно побороть, если следовать четкой пошаговой системе ведения работы. Такой подход предусмотрен в методике “Оптических Просветов”, которая позволяет избежать ошибок во время улучшения произведения. Благодаря особому процессу нанесения смесей и растиранию мазков, уникальной системе “проработки пятна” и отсутствию следов кисти, вы не только не сможете испортить работу, но и будете улучшать ее с каждым шагом. Работая по этой технологии, вы сможете навсегда забыть о страхе и обрести уверенность в своих силах.

ОШИБКА 6: Применение только одного материала

Ошибка номер шесть – ограничение себя использованием только одного материала в живописи, например, только акварели, только темперы или только масла. Это считается ошибкой, потому что каждый материал имеет свои положительные и отрицательные качества. Например, акварель обладает легкостью нанесения и прозрачностью, но не дает глубины и насыщенности цветов.

Ограничивая себя только одним материалом, мы ограничиваем свои возможности. Старые мастера готовили красящие смеси согласно особым рецептам, чтобы достичь желаемой краски на конкретном этапе работы. В наше время мы можем успешно применять разные виды красок в работе над одним изображением. Попробуйте комбинировать различные материалы и экспериментировать с техниками, чтобы расширить свои возможности и достичь желаемого результата.

Однако, благодаря нашему механизму Оптических Просветов, вы сможете использовать несколько материалов одновременно, объединяя их лучшие качества и уменьшая недостатки. Дополнительно вы получите рецепты эффективных оптических смесей, которые добавят жизнь в ваши произведения.

Использование необычных инструментов и совершенно другой подход к работе приведут к превосходящему все ожидания результату. Об этом вы можете узнать больше в этой книге. Здесь вы увидите живопись в совершенно новом свете и не сможете остановиться на достигнутом.

ОШИБКА 7: Повторять каждый мазок

Одна из основных ошибок, которую совершают начинающие художники – это повторение каждого мазка, следуя за мастером. Это может привести к созданию копии, но не к творческому процессу, который развивает индивидуальность и мастерство.

С помощью технологии Оптических Просветов вы сможете развить свой собственный стиль и подход к живописи. Наши методы обучения позволяют ученику понимать, что и зачем делается в каждом мазке, и каких эффектов можно достигнуть при проработке определенных участков.

Каждый ученик, обучаясь нашей технологии, развивает свои собственные навыки и понимание процесса. Никакого копирования за мастером здесь не будет, ведь мы учим не просто механике, а искусству творческого мышления. Закрепляя полученные знания на учебных работах, вы обретаете навык и уверенность в своих силах, что в дальнейшем позволяет создавать совершенно уникальные произведения.

Таким образом, при изучении технологии Оптических Просветов вы не только избегаете повторения мазков мастера, но и развиваете собственный творческий потенциал.

ОШИБКА 8: Полагаться на талант

Восьмая ошибка – полагаться на свой талант в живописи или рисунке. Даже если вы обладаете художественными способностями, вам все равно придется потратить много времени, чтобы понять все нюансы современных художественных техник. Даже после многих лет обучения и при наличии способностей вы сможете достичь только одной грани совершенства в создании живописных и графических изображений.

Это связано с искусственными современными методиками, которые не позволяют раскрыть все потенциальные возможности вашего таланта. Например, они не позволят вам создавать сложнейшие цветовые эффекты, которые даже не могут быть замечены простым человеком в природе. Они также не позволят вам подобрать тончайшие оттенки на палитре, что может привести к появлению грязного цвета на полотне. Всего этого можно достичь только с помощью нашей технологии.

Технология Оптических Просветов основана на законах природы и соединяется с нашими органами чувств и восприятия, реализуя гениальность каждого человека. Она отражает то, как именно этот человек воспринимает мир, а работая в соответствии с его восприятием, она позволяет создавать уникальные изображения, которые вызывают восхищение и воспринимаются зрителями совершенно по-разному.

ОШИБКА 9: Следование искусственным методам живописи

Пункт ошибки номер девять заключается в том, что художник полагается на искусственные методы живописи и рисунка. Он является продолжением предыдущего, поскольку работая по заведомо несовершенным методикам, художник попросту теряет время и силы впустую. Художник может тратить 10 лет на попытки преодолеть эти несовершенства и найти секрет для достижения отличных результатов, но все будет тщетно.

Да, можно научиться этим методам, но потом выясниться, что у вас недостаточно способностей, чтобы достичь желаемого результата. Это может привести к разочарованию. Однако вы всегда можете обратиться к технологии, основанной на законах природы и врожденных органах чувств и восприятия. Она помогает реализовать ваш Гений и достичь желаемого результата за короткий период времени. Просто получив необходимые навыки и следуя пошаговой схеме, вы сможете выполнить любую работу с гарантированно лучшим результатом.

ОШИБКА 10: Пытаться создать в одном мазке и форму, и цвет, и объем 

Десятая ошибка, которую часто допускают художники – это попытка создать в одном мазке форму, объем, пространство и цвет. Однако, это неэффективный и сложный подход. который требует много практики, таланта и творческих способностей.

Более удачным вариантом является следование законам природы, делая все постепенно, так же, как это делает сама природа. Рождение ребенка и работа законов мироздания – это идеальные примеры. Только так можно создать уникальное, интересное и поразительное произведение искусства.

Мы предлагаем использовать технологию Оптических просветов, которая позволяет работать поэтапно. На каждом этапе мы достигаем невероятных эффектов – на полотне сам образуется цвет, объем, внутреннее свечение. Все происходит естественным образом, как при рождении рассвета. Мы постепенно работаем над всей картиной, проявляем на ней объекты, выводим их из темноты и оживляем изображение на свет.

Чтобы понять, как работает наша технология поэтапного создания картины, я предлагаю посмотреть наш выпуск, который покажет, как мы создаем морской пейзаж. 

Современные художественные техники, такие как следы кисти на холсте, смешивание красок на палитре и добавление бликов для создания объема, могут привести к неживым, искусственным результатам. Короче говоря, современные техники и реалистичная живопись несовместимы.

Однако, если вы хотите создавать пространство, которое завораживает зрителя, впечатляет и погружает его в себя, вам нужно научиться правильно выстраивать свет, тени и полутона, а также достигать сложнейших цветовых переходов уже на ранних этапах работы. Для этого нужно изменить свой подход к работе.

Вы можете узнать больше о нашей технологии и увидеть, как происходит на полотне настоящее художественное волшебство, посетив наш бесплатный мастер-класс.  Эта методика отличается от традиционных и не требует таланта или выдающихся способностей. Вам нужно лишь следовать системе, и вы увидите, как «живое» изображение будет постепенно проявляться на полотне.

Ошибки начинающих художников. Как их избежать?

Перевод статьи Robie Benve “13 Beginner Painting Mistakes You Want to Avoid” 

Было ли с вами такое – вы пришли на выставку и вдруг поняли, что вокруг работы одних новичков? Как их распознать? Какие ошибки начинающих художников свойственны любительской живописи?

Многие начинающие художники делают одни и те же ошибки. Их легко могут заметить как профессиональные художники, так и обычные зрители.

Ниже приведен список самых распространенных ошибок новичков. Он поможет вам их избегать, а ваши работы перестанут выглядеть посредственнымы и скучными.

ОШИБКИ НАЧИНАЮЩИХ ХУДОЖНИКОВ

Ошибка №1. Рисовать все, что видите

Не пытайтесь быть фотоаапаратом. Вы создаете картины, в них – ваше собственное видение мира, изображаемых объектов.

Вы не обязаны рисовать каждую деталь лишь потому, что она есть в реальности.

Будьте избирательными – включайте только те элементы, которые подчеркнут каждый конкретный сюжет. Фотография – ваш помощник. На ней есть все необходимые элементы, но какие из них включать – решаете только вы.

Кроме того, когда вы пытаетесь достичь фотореализма в своих работах, даже маленькие незначительные ошибки в несоблюдении размеров, углов наклона и тому подобные, будут очень заметны зрителю.

Читать в контексте: Линия горизонта, как правильно найти ее место в картине?

Ошибка №2. Быть заложником сюжета

Не обязательно рисовать объекты в том месте, где они находятся на самом деле. Вы можете менять их местоположение, если это усилит композицию картины. Это верно для любого жанра, в том числе и для пейзажа.

Можете совмещать элементы с разных фотографий. В этом случае важно помнить про то, где находится источник освещения.

Если вы рисуете узнаваемое место, передвигать объекты в рамках картины может быть проблематично. Вместо этого можно сдвинуть вторичные или переменные элементы или вовсе от них отказаться.  К таким элементам относятся фигуры людей, зонты, мебель, цветы и т.д.

Ваша основная задача – передать сюжет, ухватив его суть, и подобрать для этого лучшую композицию из возможных.

Ошибка №3. Размещать главные элементы в центре картины

Не размещайте главный элемент картины строго в центре, иначе взгляд зрителя будет прикован только к нему.

По этой причине избегайте и размещения по центру основных линий, таких как край стола, ствол дерева. Они как будто разрезают картину пополам вертикально или горизонтально.

• Как найти свой стиль рисования? Практическое руководство.
• Как правильно составить натюрморт

Ошибка №4. Рисовать похожие или равноудаленные объекты

Есть одно простое композиционное правило – расстояние между объектами должно быть разным. Это значит, что вы должны применить разнообразие ко всем элементам картины, чтобы привлечь внимание зрителя и заставить его взгляд блуждать по ней.

Если вы работаете над пейзажем – меняйте форму и размер ваших деревьев, смешивайте разные оттенки зеленого, обратите внимание на расстояния между объектами. Избегайте однотипных рядов деревьев или кустарников одного размера.

Даже если вы рисуете такой упорядоченный, с заданной формой, объект как забор, добавьте немного разнообразия – сделайте местами шире зазоры, наклоните пару досок, а то и вовсе пропустите одну.

Великолепная работа Винсента Ван Гога “Ирисы”. Густые мазки краски, чуть размытый фон, продуманные линии, прекрасная композиция и размещение центра картины.

Как развить идеальный глазомер?

Ошибка №5. Одинаковое количество деталей на переднем и заднем планах

Эта ошибка особенно часто встречается у тех, кто рисует не с натуры, а по фотографиям.

На фотографиях сохраняется огромное количество деталей и почти все они в фокусе. Вы можете ясно разглядеть и травинку на переднем плане, и ветку дерева вдали.

Однако наши глаза видят по-другому. Если мы сосредоточим взгляд на одной области, все остальное будет размыто.

Решите где будет центр вашей работы, нарисуйте его более подробно.

Не детализируйте все области картины одинаково. Как правило, в фоне очень мало деталей, их количество постепенно увеличивается к переднему плану и композиционному центру картины.

• Как выбрать удачный фон для своей картины?
• Как создать гармоничную композицию картины?

Ошибка №6. Использовать готовые зеленые оттенки

Поражает разнообразие и насыщенность зеленых оттенков, встречающихся в природе. Их невозможно подобрать, используя лишь краску из готовых заводских тюбиков и кювет, сколько бы их у вас ни было.

Основное преимущество покупки зеленых оттенков – они всегда у вас под рукой. Однако вы добьетесь куда больших успехов, смешивая готовые цвета с другими, чтобы добиться желаемых оттенков.

“Они будут продавать вам тысячи оттенков зеленого цвета. Veronese green, изумрудный, кадмий зеленый, и любой зеленый, который вы только пожелаете, но нужный – никогда.” – Пабло Пикассо

Яркие и похожие друг на друга оттенки зелени присутствуют в работах многих начинающих художников. Вы сразу заметите, что они используют готовые зеленые краски.

Чтобы избежать подобной ошибки, смешивайте свои оттенки зеленого, добавляя разные цвета. Добавив синий к зеленому, вы сделаете его холоднее. Желтый цвет сделает зеленый оттенок более теплым, а красный цвет приглушит яркую зелень.

Ошибка №7. Нежелание учиться смешивать собственные зеленые оттенки

Похоже на разобранную выше Ошибку №6, но речь немного о другом.

Когда вы смешиваете зеленые оттенки, то будете получать разные вариации в зависимости от используемых голубых и желтых цветов, а также их пропорций в смесях.

Но! Зеленые, полученные путем смешивания только синих и желтых оттенков, как правило, слишком яркие по сравнению с реальными цветами в пейзаже.

Каждое зеленое растение или объект имеет несколько иной оттенок – насыщеннее, теплее, холоднее или даже тускнее чем тот, что вы получили.

Некоторые оттенки, расцененные нами как зеленые, вообще оказываются синими или очень тусклыми желтыми, местами встречается и серый цвет.

Смешивая зеленые оттенки из синих и желтых, добавляйте туда оранжевые или красные, посмотрите как они приглушают зелень.

Обратите внимание на то, что зеленые оттенки в пейзаже меняются в зависимости от времени суток, цвета света и времени года. То, что утром кажется вам сине-зеленым, вечером может быть окрашено в желто-зеленый цвет. Зеленые оттенки более насыщенны весной и тусклые осенью, во время листопада они более оранжевые.

Как получить красивые оттенки зеленого цвета?

Ошибка №8. Экономный расход краски

Это трудноискоренимая привычка – использовать малое количество краски, экономить.

Ничто так не говорит о непрофессиональности художника как неуверенные, боязливые, скупые мазки.

Смешайте в два раза больше краски чем вам нужно и используйте ее. В конечном итоге у вас может остаться лишняя краска, но это не так страшно.

Будет хорошо, если вы начнете работу над картиной с тонких слоев, но по мере заверешения ваши мазки должны быть более густыми, решительными, уверенными. Оставьте их такими, не трогайте.

Не возвращайтесь назад и не пытайтесь переделать уже наложенные мазки. Придите к согласию с собой, чтобы оставить их как есть, даже если вам трудно на это решиться.

Иногда краска, нанесенная на холст, выглядит иначе чем на палитре и не соответствует вашим ожиданиям. Не исправляйте сразу же. Поработайте над другой областью и подождите. Когда вы снова вернетесь к этому участку, то уже успокоитесь и посмотрите более “свежим” взглядом. Примите решение – стоит ли повозиться с этим участком еще немного или он хорошо смотрится и так?

Ошибка №9. Рисовать то, что знаешь, а не то, что видишь

Это типичная ошибка как совсем новичков в рисовании, так и тех, кто уже занимается какое-то время.

Например, мы знаем, что дом белого цвета, и рисуем его белым.

Мы знаем, что цветок пурпурный, и рисуем его пурпурным.

Часто мы принимаем за реальный цвет объекта тот цвет, что видим когда мы смотрим на него близко и под прямым источником света.

Это же касается и форм. Мы знаем, что сосна треугольная, а тарелка круглая, и рисуем их в соответствии с заложенными общими образами, даже не пытаясь наблюдать, анализировать, сравнивать.

Прищурьте глаза и посмотрите на объект. Обратите пристальное внимание на форму, негативное пространство, структуру. Что темнее? Что легче? Задавайте себе такие и похожие вопросы.

Белый цвет в тени темнее чем черный на свету.

Мой мозг не принимает это утверждение автоматически, но если я прищурюсь и начну пристально вглядываться в объекты, то смогу удостовериться в том, что это верно.

Ошибка №10. Использовать неверный цвет в работе, чтобы не выбрасывать оставшуюся краску 

Краски стоят дорого. Поэтому когда на палитре скапливается большое количество неиспользованной краски, то одна мысль о том, чтобы ее выбросить вызывает боль. Мы начинаем искать варианты куда бы ее пристроить, не так ли?

Но когда мы начинаем смешивать оставшийся большой кусок смеси тускло зеленого цвета с чем-то другим, то на выходе получаем что-то не менее тусклое или даже серое.

Прекратите пытаться исправить залежавшуюся смесь. Начните сначала. Не используйте неправильный цвет в работе. Или найдите ему иное применение – в качестве “серого” или добавляя по чуть-чуть, чтобы нейтрализовать другие яркие цвета.

Используя в своей работе неподходящие цвета лишь в целях экономии, чтобы они не пропадали впустую, вы рискуете конечным результатом и впечатлением от вашей живописи.

Как смешать нужный оттенок в живописи?

Ошибка №11. Рисовать только жесткие границы

Когда я только начала рисовать, я и понятия не имела, что бывают жесткие, мягкие и даже исчезающие границы, края. Большинство границ моих объектов были жесткими. Иногда я случайно делала мягкие края там, где нужно, пытаясь повторить то, что видела в реальности. Позже я узнала, что есть несколько правил когда применять тот или иной вид краев.

Итак, что такое мягкий край? Он проявляется когда вы объединяете цвета вместе, вливая один в другой. Жесткий край проявляется когда цвета не смешиваются и это подчеркивается формой объекта.

Общая рекомендация такова – используйте жесткие края для объектов в центре картины, а мягкие – для вторичных объектов и на заднем плане.

Акварель для начинающих: прием “четкий край” ВИДЕО

Ошибка №12. Работать над картиной кистями неподходящих размеров

Кисти бывают разной ширины и диаметра. Кисти маленьких размеров используются только для прорисовки деталей, они понадобятся вам в самом конце работы. Не поддавайтесь желанию взяться за них слишком рано, это приведет к тому, что ваша картина будет перенасыщена деталями.

Мне нравится начинать работать с кисточками больших размеров, ими я рисую основные формы. Затем я перехожу на кисти средних размеров для более мелких объектов. В конце берусь за маленькие кисточки, заканчиваю работу над деталями картины.

Как определить размер самой большой кисти, нужной вам для работы? Это зависит от размера ващей будущей картины. Например, если я рисую на формате 15 х 15 см, то начинаю с кисти 2,5см, постепенно меняя кисточки на более мелкие.

Чем больше размер вашей заготовки, тем большего размера кисть вам нужна. Для больших полотен 76 х 102 см я использую в начале флейцевые кисти 5 или 7 см (их можно найти и в строительных магазинах). В процессе работы я заменяю их на художественные кисти более мелких размеров.

При помощи больших кисточек вы наносите сразу больше краски. Но это не единственная причина, по которой вам стоит начинать работу с них. Они  объединяют ваши мазки, позволяют им выглядеть цельно.

Когда нужно переходить на кисти более мелких размеров? Как можно позже. Работайте с большими кисточками ровно столько, сколько сможете, прежде чем заменить их.

Китайские кисти для акварели вместо традиционной белки и колонка!

Ошибка №13. Беспокоиться из-за результатов

Доверяйте своим инстинктам и верьте в себя!

Страх – одна из самых коварных опасностей, поджидающая начинающих живописцев. Ученики боятся сравнения с другими более талантливыми учениками. Начинающие художники боятся как оценят их творчество более опытные живописцы. И каждый боится критики и негативных отзывов зрителей.

Страх пораждает неуверенность в себе. Для художника подобные метания и сомнения в принятых решениях особенно опасны – они обязательно отразятся на картине.

Иногда это даже не страх, что ваша работа кому-то не понравится, а страх перед тем, что напрасно тратите дорогие художественные материалы (прочитайте еще раз ошибки №8 и №10).

Откиньте все сомнения и опасения, доверяйте своим инстинктам, верьте в себя!

Следуйте за своей творческой звездой и наслаждайтесь процессом!

Перевод с источника Творческая Мастерская с Мариной Трушниковой

Напишите в комментариях, в каком из пунктов вы узнали себя? Делитесь статьей, если она стала вам полезной!

Существует множество направлений в живописи, которые не требуют от художника изображать то, как вещи выглядят в реальности. Тем не менее, важно сначала научиться рисовать хотя бы приблизительно правдоподобно, и уже потом начать экспериментировать со стилем. Но почему же так сложно нарисовать то, что мы видим вокруг ежедневно?

Если вы попытаетесь нарисовать, например, портрет, главной преградой станет способность вашего мозга распознавать символы. Я часто замечаю, что начинающие художники рисуют не то, что видят, а стараются изобразить символы этих вещей. Почему же так происходит?

Вот яркий пример. Художник видит глаз… поэтому он рисует то, что говорит ему мозг. Как то так, правда?

Художник видит ресницы. Поэтому он рисует символ ресниц, который закреплен в его памяти.

Тем не менее, он полностью игнорировал то, что говорят ему глаза. Информацию, которая все время была на виду!

Когда мы используем наше зрение, чтобы мысленно проследить форму глазного яблока, мы видим, что оно не совсем овальной формы, а скорее угловатой. Радужная оболочка не является идеальным кругом, а веко закрывает ее часть. Также можно увидеть, что ближе к виску почти не видно ресниц. Не игнорируйте визуальную информацию!

Давайте разберемся. Мы не рисуем лицо, нос, глаза или волосы. Мы рисуем фигуры. Каждый рисунок – это сочетание светлых и темных фигур. Каждый рисунок – это иллюзия. Итак, ради примера, допустим, вы пытаетесь нарисовать этого парня. Я выбрал именно это изображение, потому что оно имеет четкие области света и темноты. А чем более выраженно выглядят формы, тем проще вам будет рисовать.

Давайте просто проанализируем соотношение светотени, полностью забыв про цвета.

Теперь я покажу вам трюк, который позволит отключить мозг и включить глаза. Просто переверните свое изображение вверх ногами. Вы уже начали замечать формы? Рисование слепых контурных рисунков поможет вам с этим навыком!

Некоторые из них легко заметить. Физический объект – например, воротник, легко становится фигурой. Мысленно проследите форму. Обратите внимание на каждую кривую и угол. Я делаю акцент на фигурах, чтобы вам было проще ориентироваться. На первых этапах, когда вы только начинаете рисовать, это самое важное. Не забывайте, что все приходит с опытом.

Но как это использовать, чтобы нарисовать лицо?

ВАЖНО: не позволяйте себе отвлекаться на мелкие детали!

Сначала сосредоточьтесь на больших площадях, а затем начинайте добавлять детали. Для того чтобы было проще, мой учитель всегда советовал прищуривать глаза. Так что замыливаем изображение! Теперь посмотрите на все эти фигуры.

Давайте начнем рисовать! Я хотел бы начать с самых темных участков. Вы должны смотреть на эталонное изображение столько же или даже больше, чем на свой рисунок.

Относитесь к своему рисунку как к игре «найди различия». Похожа ли фигура, которую вы только что нарисовали, на фигуру с изображения?

Неточности возникают часто. В процессе рисования я также сравниваю фигуры, которые я рисую, с фигурами на эталонном изображении. Я оцениваю светотеневое соотношение, положение по отношению к другим фигурам и так далее. Это нужно делать постоянно. Выделенная красным фигура выглядит странно.

Я представляю отрезок области рисования как линейку и заново рисую фигуру, чтобы она соответствовала той, которую видят мои глаза. Делая это, замечаю, что линия челюсти находится слишком далеко.

Я продолжаю совершенствовать свой рисунок. Я даже использовал инструмент преобразования в некоторых моментах, чтобы исправить эскиз. Не бойтесь стирать, даже если это большая часть работы. Впоследствии ваше изображение будет выглядеть лучше. Помните, что всегда можно перерисовать.

Ну что же, мы проделали немало работы, верно? Нарисовали много деталей. Настало время перевернуть изображение.

Ничего себе! Довольно хорошее начало, в самом деле. Чем больше вы будете рисовать, тем лучше у вас будет получаться.

Поздравляю! Вы научились использовать глаза вместо мозга!

Дамы и господа помните о мудрых словах Боба Росса: «Талант – это ложь. Никто никогда не получал хороших результатов, выпрыгивая из влагалища своей мамы. Талант означает, что вы усердно тренируетесь, рисуя каждый день. И гордитесь каждой своей работой, даже если не все получилось. Ведь это означает, что вы на один шаг ближе к тому, чтобы стать экспертом!»

Источник: BoredPanda

Евгения Горбачева — профессиональная художница-акварелист, чьи работы выставлялись на международных выставках и биеннале. В книге «Портреты моря и воды» она знакомит с акварелью и рассказывает, как ее приручить. Собрали в статье частые ошибки начинающих художников и подсказки, как с ними справиться.

Портрет моря и воды

1. Сухие краски

Если вы используете краски из кюветок, то за 10 минут до начала работы увлажните их с помощью пульверизатора. Краски размягчатся, так вам будет проще набирать пигмент кистью.

Кюветки — краски в маленьких прямоугольных или квадратных пластиковых ячейках

2. Неправильный набор пигмента

Новички набирают его очень робко, на самый кончик кисти. А если краски не подготовлены к работе, шанс нарисовать звонкую и свежую картину с правильным насыщенным тоном близится к нулю. Не бойтесь брать пигмент, особенно если пользуетесь красками в кюветках. Набирайте краску на всю длину ворса, погружая его полностью в емкость, немного надавливая и выполняя круговые движения кистью. Набирать пигмент кончиком кисти можно только, если вы пользуетесь свежей краской из тюбиков.

Эти советы относятся к технике работы по-­сырому алла прима, когда мы хотим закончить картину за один сеанс. В лессировочной технике, когда краски наносят на бумагу тонким просвечивающим слоем, и в стиле гиперреализм приемы отличаются, но сегодня речь не о них.

Часто при знакомстве с новым делом мы робеем. Однако помните: акварель любит смелость! Начинайте работать без страха и опасений.

Чем смелее и свободнее вы будете обращаться с кистью, тем быстрее достигнете желаемого результата.

3. Попытка залить большие участки с помощью тонкой кисти и коротких мазков

Начинающие акварелисты часто берут слишком тонкую кисть, чтобы залить небо. Но таким способом вы не успеете сделать плавный градиент: краска высохнет. Чем более широкую кисть вы возьмете, тем проще будет осуществить заливку. Это касается не только неба и водной глади, но и элементов архитектуры, растительности и прочего.

Используйте тонкие кисти для проработки отдельных штрихов и деталей, например, когда рисуете людей.

4. Нарушение водного баланса

Это, пожалуй, самая распространенная ошибка и самая большая сложность для новичков. Обратите внимание: чем больше воды на бумаге, тем меньше ее должно быть на кисти, и наоборот. Увы, данное правило действует не всегда, в некоторых случаях оно не применимо. Только практика поможет разобраться и найти правильное соотношение.

Если лист сухой и вы набираете недостаточно воды на кисть, плавная заливка может не получиться: из-­за нехватки воды мазки будут высыхать раньше времени и между ними образуются заметные стыки.

Но тут поможет маленькая звуковая подсказка: если вы слышите, как кисть шуршит по бумаге, значит, воды не хватает либо на кисти, либо на бумаге. Кисть должна скользить беззвучно!

5. Избыток воды на кисти при работе над первой заливкой

Эта может привести к тому, что на бумаге и на планшете образуются лужи. Одна из опасностей в том, что вода с планшета будет обратно впитываться в бумагу, вытесняя уже имеющийся и немного подсохший красочный слой. В итоге вы увидите странные светлые узоры, напоминающие иней, по краям листа. Не забывайте убирать излишки воды с планшета с помощью салфетки, чтобы избежать подобных «сюрпризов».

6. Слишком много воды на кисти при рисовании поверх красочного слоя

Эта ошибка часто встречается при попытке нарисовать облака или темные волны. Из-­за лишней воды мазки будут сильно растекаться в разные стороны. Кроме того, вы не сможете набрать нужный темный тон. Также велик риск образования пятен-­цветков, которые по-­своему прекрасны, но не всегда уместны.

Выжимайте, лишнюю воду с помощью салфетки или хлопковой ткани, чтобы избежать этих эффектов.

7. Неумение вовремя остановиться

Это в большей степени касается изображения облаков и воды. Вся их прелесть заключается в легкости, воздушности и прозрачности. Здесь действует принцип умеренности: всегда лучше нарисовать меньше, чем перестараться.

8. Чрезмерный контроль

Акварель любит свободу, не лишайте ее этого! Мы должны выступать с акварелью дуэтом, иногда предоставляя ей возможность солировать. Эта свобода может проявляться в неожиданных подтеках, в спонтанных мазках и брызгах. Позвольте акварели растекаться, как ей угодно.

Автор книги Евгения Горбачева

Лайфхак. Когда мы рисуем сидя, то более зажаты. Чтобы раскрепоститься и почувствовать себя свободнее, попробуйте рисовать стоя. В таком случае ваша рука будет двигаться с большей амплитудой, вы чаще сможете отходить от своей картины и смотреть на нее издалека, чтобы находить ошибки. Но обязательно позаботьтесь об осанке, подобрав удобную по высоте рабочую поверхность.

9. Ошибки в выборе тона

Часто художники (и не только начинающие) выбирают слишком темный и насыщенный тон на дальнем плане. Но, учитывая законы тональной перспективы, объекты на заднем плане следует изображать более прозрачными, добавляя холодные оттенки. Даже если на референсе холмы вдали темные, на картине сделайте их посветлее, чтобы они не спорили с передним планом. Если вы добавите дальнему плану немного дымки, это придаст объем всей вашей работе и подчеркнет пространство и тональную перспективу. Картина обретет флер романтизма и загадочности.

Это же касается и полосок волн у линии горизонта: часто их рисуют таким же активным цветом, как на переднем плане. Будьте внимательны и не допускайте подобного.

Отдельно скажем про слишком светлые белые паруса и корпуса яхт, стоящих против солнца. Даже белый при отсутствии освещения может превращаться в черный. Объекты, находящиеся в контражуре, должны иметь достаточно темный тон.

10. Невыразительная проработка мелких деталей

На картинах неопытных художников часто можно заметить «невкусные» детали и акценты. Завершающие штрихи — как вишенка на торте, естественно, они должны быть выразительными и сочными. В нижнем варианте рисунка детали бледные и невыразительные (из-­за сухой акварели или неправильного набора красок).

Для прорисовки самых мелких деталей важно использовать густые увлажненные краски. Мелкие штрихи лучше наносить синтетической кистью, взяв пигмент с консистенцией сметаны. Сконцентрировавшись на конкретных элементах одежды или деталях яхты, пытаясь разглядеть их на фотографии, мы непременно потеряем свежесть рисунка. Тут можно смело «похулиганить», от этого ваша работа обретет живость и финальные аккорды прозвучат звонко и отчетливо.

Лучше прорабатывать детали только на главных объектах, остальные изображайте более прозрачными красками и менее открытыми цветами — это поможет выделить фокусный центр. Постарайтесь избегать детализации на дальнем плане, даже если вы наблюдаете ее на натуре или референсе. С этим не всегда легко справиться, но задача художника — развивать в себе сдержанность и чувство прекрасного.

Лайфхак. Не рисуйте отдельные элементы, пытаясь разглядеть и понять их на референсе. Вам нужно увидеть только форму и цвет и переложить их на лист.

По материалам книги «Портреты моря и воды. Акварельное путешествие с Евгенией Горбачевой»